Crítica de El gran Gatsby (The Great Gatsby)

Si bien esta la más reciente versión de El gran Gatsby, nueva boutade grandilocuente de Baz Luhrmann -le pese a quien le pese, un autor autor– es, ya de salida, una de esas películas a las que irreflexivamente se califica de perfecta generadora de odios y adhesiones a cantidades parejas, lo cierto es que esto tiene visos de futura obra incomprendida. El exceso rebosante de sus planteamientos formales, el tratamiento -aparentemente- operístico de sus propuestas temáticas y el mero hecho de adaptar una de las mayores y más importantes novelas americanas del siglo XX le van a reportar hordas de fans con distinto grado de autoconsciencia y también derrotistas detractores que preconizarán -de nuevo- el fin del sentido común en el arte. Con poco termino medio en cualquier caso. Y como añadidura probablemente las propuestas de Luhrmann generen ríos de tinta entorno a la adecuación de las formas utilizadas a un mensaje que, admitámoslo, es delicado.
Claro, llevar a su propio terreno un texto tan sagrado como el de Francis Scott Fitzgerald podría parecer a priori y en el mejor de los casos una temeridad. En el peor, un ejercicio postmoderno histérico, reprochable y condenable en virtud de la búsqueda total del clasicismo, la universalidad, la intemporalidad.

Pero considerar algo así sería quedarnos un poco en la superficie. Porque es innegable que el resultado de este Gatsby se adscribe en gran medida al universo psicotrópico del australiano responsable de Romeo + Julieta, que el espíritu puramente lúdico y frívolo de Moulin Rouge se ha vuelto a apoderar del texto de base. Que aquí priman las formas histriónicas, la pulverización de los límites del gusto convencional, la transgresión de géneros, estéticas y tonos. Pero tampoco es menos cierto que, al final, el discurso forma una incuestionable unidad que trasciende su bestial tendencia al choque.

Me explico con más detalle. El gran Gatsby es, en sus planteamientos iniciales, más que una película un hiperespectáculo enfebrecido. Un gran circo al mismo tiempo mayestático y decadente. Una reconstrucción de un tiempo y un lugar que probablemente sólo hayan existido de esta manera en las idealizaciones posteriores que nos hemos construido gracias a la literatura y al cine. Y de eso -especialmente cine- hay mucho en la propuesta de Luhrmann, centrada en el Nueva York de las Ziegfeld Follies, del Times Square más bullicioso, de los locales con gigantescas arañas de cristal y collares de perlas largos como intestinos. En una Costa Este en plena jazz age que combatía la ley seca con más alcohol y que servía como hervidero de fiestorros salvajes y celebraciones del hedonismo en mansiones de herederos de emporios surgidos a la sombra de la primera Guerra Mundial.

Pero también un panorama al borde del colapso de los valores, del desuso total que debería llegar con la Gran Depresión, de la caída de los magnates. Un escenario sombrío escondido bajo el oropel y la luz de los focos. El caldo de cultivo que ve surgir a un Jay Gatsby, figura misteriosa por excelencia, soltero deseado, multimillonario aficionado al buen vivir que revivirá amores perdidos en el pasado y trazará amistades abrasivas para el futuro. Y un decorado perfecto para un Baz Luhrmann que vuelve a dar salida a su sentido kitsch de la representación de las altas sociedades. Su Gatsby, tan apegado a esa época -ya decimos, casi fantasiosa- quiebra lógicas temporales en su armazón formal: resulta tremendamente postmoderno y petardísimo, descompensado en su narrativa y pastichista en su selección musical (por donde pasan ramalazos de charleston con autotune, homenajes facilones a Gershwin, versiones imposibles -de Beyoncé, de U2, de Amy Winehouse- y hasta momentos de hip hop anacrónico). Puro esteticismo desprejuiciado que colinda directamente con el feísmo en un ramillete de decisiones tan conscientes de si mismas que calificarlas de erróneas sería inútil.

La propuesta de Luhrmann es, al margen de un posible derroche o escasez de originalidad, esencialmente rompedora. O mejor dicho, confrontadora. Decimos que su unidad conceptual va fortaleciéndose a medida que avanza la película, pero lo cierto es que los referentes son dispares y se van agolpando sin aparente orden pero con innegable empuje: desde las referencias al mudo americano pasando por el cine de la UFA (guiños a Pabst o Murnau), las propuestas estéticas del Disney clásico, la comedia hollywoodiense de los 30 y los 40 de Sturges, el melodrama americano de los 50, los dramas más decadentes del Fassbinder de mediados y finales de los 70 o incluso la infravalorada versión de Jack Clayton de 1974.

Technicolor, grúas por doquier, reconstrucciones digitales cuasihorteras, dinamismo cartoon, vitalistas homenajes a la Gran Manzana con técnica time lapse en un plano concreto que hace pensar en una portada de Miles Davis. Y sin embargo, a pesar de su esquizofrenia cromática, poco a poco El Gran Gatsby se va tintando de negro. Luhrmann parece ser cada día más consciente de la caducidad de la urgencia fiestera, de la llegada irremisible del otoño; de modo que en su segunda mitad la película empieza a languidecer, a tornarse grave, oscura. La fuerza imponente y contagiosa de sus inicios va dejando paso a un drama más madurado, más turbulento, en el que el personaje central -también gracias a una impecable interpretación de DiCaprio- va cobrando su dimensión trágica y va conectando progresivamente con los rasgos que lo definían en la novela, encontrando sus propias metáforas de los mismos temas de los que hablaba Fitzgerald. Las canciones densas de The xx van tomando la banda sonora a golpe de bajo poderoso y la cosa termina encaminándose hacia una conclusión fantasmagórica, solemne y melancólica, y no por ello menos grandilocuente, casi buscadamente demodée en su apropiacionismo de los códigos del drama más ceremonioso.

Sí, esta El Gran Gatsby, muy emplumada y aún más empolvada, puede herir sensibilidades. Y desde luego no será del gusto de todos los paladares, especialmente de los que dejan embriagarse periódicamente por las palabras sutiles y la profunda capacidad simbólica del texto original de Fitzgerald. Pero como decimos su inicial modus operandi hipercinético y farlopero esconde una posterior mirada amarga hacia la caída de los mitos y la humanización de los dioses paganos. Y lejos de traicionar el espíritu original le da una nueva dimensión acorde con los tiempos que corren. Deslavazada, bastarda e irritante. Pero también grave, profunda y afectada. Y si eso no es capturar el zeitgeist de la (alta) sociedad actual, no sé qué lo será.

7/10